Hoy vuelvo mis oídos hacia alguien a quien hace tiempo no escuchaba: Richard Strauss. Esta vez para invitarles a escuchar la «Sinfonía Alpina» (Eine Alpensinfonie, según su nombre original en alemán) op. 64 del catálogo de obras del compositor alemán Richard Strauss es un poema sinfónico para gran orquesta (el último que escribiría el compositor de Múnich) de poco más de 45 minutos de duración con una música maravillosa que sirve como ejemplo para mostrar lo que se suele denominar música programática, porque cumple un programa (expresa un argumento) narrado por el compositor; en este caso la ascensión a un pico de los Alpes Bávaros y el retorno al valle.
La música se interpreta sin interrupción alguna durante todo el tiempo en el cual el compositor emplea toda la variedad cromática de la orquesta para transmitir las impresiones que le producen cada uno de los momentos vividos y los parajes atravesados en la ascensión de la montaña. Richard Strauss hizo en esta obra un uso extensivo del leitmotiv, asociando cada uno de los elementos presentes (la noche, el Sol, la lluvia...) a un tema musical.
Strauss consideraba esta pieza su más perfecto trabajo de orquestación y no se equivocó, pues así ha sido catalogada esta pieza alrededor del mundo. Los primeros esbozos proceden de 1911. En 1914, Strauss se dedicó con más intensidad a esta obra y, tras cien días de trabajo, la partitura quedó lista el 8 de febrero de 1915. Se estrenó, con la Dresdner Hofkapelle el 28 de octubre de 1915 en Berlín, dirigiéndola el propio compositor.
Como dato histórico, este fue el primer título de la historia de la música en ser grabado comercialmente en formato de disco compacto, por la Orquesta Filarmónica de Berlín dirigida por Herbert von Karajan en el año de 1981.
De acuerdo con lo que decía el propio compositor en sus especificaciones, se necesitarían al menos 107 músicos. Si se tienen en cuenta las recomendaciones acerca del refuerzo de algunas secciones en pasajes determinados, y si se cuenta con la orquesta fuera de escena, la plantilla recomendada sería de por lo menos 129 músicos.
Estoy seguro de que siempre ha habido numerosos talentos, «niños prodigios» realizando tareas ambiciosas a nivel profesional. Me basta recordar lo que decían de Mozart y otros músicos. La diferencia ahora es que tenemos internet y con un clic vemos y participamos de la vida maravillosa de estos prodigiosos niños.
Edward Yudenich, es un director de orquesta que actualmente tiene 12 años de edad. A la edad de 7 años, dirigió la Orquesta de Uzbekistán fascinando a la audiencia por su soltura y naturalidad. Yudenich dirige sin esfuerzo alguno, dejando ver la pasión que tiene por la música y además con un aire desenfadado y divertido que solamente un niño puede tener. Su pasión contagia a todos los miembros de la orquesta.
Si él dirige esta orquesta a la edad de 7 años... ¿A qué edad empezó a tocar el violín? ¿En que momento empezó a ser Primer Violín para finar la orquesta?
He tratado de buscar más datos en los ratitos que tengo para entrar a Internet y no encuentro casi nada de este gran músico, salvo que es alumno del Conservatorio de Uzbekistán y que actualmente reside en Nueva York, donde enseña dirección orquestal.
Un director de orquesta señala el bastón de mando para el músico con la batuta que indica el tiempo correcto que tiene que entrar a tocar el instrumento, ya sea violín, viola, fagot, clarinete, flauta , la placa, etc., de modo que la música se desarrolle adecuadamente. Si el gesto va mal en el momento equivocado, la orquesta se descompassa porque los músicos están capacitados para esperar la orden del director.
Conociendo este importante detalle, saben por qué me quedé impresionado y este domingo, no hablo de un músico, sino de un director, que, no dudo, será uno de los grandes compositores del futuro si Dios le da vida y salud, porque la pasión... ¡le sobra!
Les dejo tres videos donde el pequeño Edward dirige una obra de Strauss, una de Mozart y una de Liszt:
Saludo a mis catorce seguidores en este Domingo para compartirles «Don Quixote», el Poema Sinfónico (Op. 35) para violonchelo, viola y orquesta escrito por Richard Strauss en Múnich en 1897 y Subtitulado "Phantastische Variationen über ein Thema ritterlichen Charakters" (Variaciones fantásticas sobre un tema de carácter caballeresco).
«Don Quixote» es una pieza orquestal continua, es decir, de un sólo movimiento y está basada en la obra Don Quijote de la Mancha, de Miguel de Cervantes Saavedra. Se trata de una composición de unos 45 minutos de duración está escrita en la forma musical de tema con variaciones. El violonchelo representa en la pieza a Don Quijote, mientras que el solo de viola, la tuba tenor y el clarinete bajo, representan al cómico Sancho Panza. La segunda variación ilustra un episodio en el que Don Quijote se encuentra con un rebaño de ovejas, que él percibe como un ejército aproximándose. Strauss utiliza el flutter-tonguing disonante en el viento metal para emular los balidos de las ovejas, un temprano ejemplo de esta técnica extendida. Más adelante, el propio Strauss citó este pasaje en El burgués gentilhombre, en el momento en que un sirviente anuncia el plato de "pata de cordero al estilo italiano". Pero este "casi concierto" para violonchelo, viola y gran orquesta, es atractivo no tanto por su programa, evocador de las aventuras caballerescas de don Quijote y de su contrapunto materialista Sancho Panza, sino por suscitar en el ánimo de quien lo escucha un ambiente que corresponde de modo inequívoco (hoy, al menos, cuando se escucha no causa apenas sorpresa) a lo que representan los personajes del Quijote para sus lectores.
Sobre el tema hay diversas composiciones, pero creo sinceramente que ninguna de esas composiciones puede competir con «Don Quixote», aunque se da la paradoja de que durante mucho tiempo fue «Don Quixote» el poema sinfónico menos ejecutado de Strauss. Y sin embargo, hoy se sabe que es el más trabajado y rico de cuantos escribió. Enamorado de la inmortal novela de Cervantes, Strauss trabajó con mano maestra los distintos episodios seleccionados, pasando como el gran escritor de lo irónico a lo patético, de lo tierno y gracioso a lo burlesco y vejatorio, dejándonos ver un Strauss más humano y, a la vez muy ocurrente. Para esta composición puso en juego toda su sabiduría de gran orquestador, sin transgredir ni inventar nuevas formas, sino empleando la vieja fórmula de la introducción y variaciones, acogiéndose al no menos tradicional enunciado concertante.
Poco después de su estreno en Colonia, dentro de los conciertos Gürzenich, Strauss dirigió el 27 de febrero de 1898 su «Don Quixote» en el teatro Príncipe Alfonso del Paseo de Recoletos de Madrid, al frente de la Orquesta de la Sociedad de Conciertos. Volvería a hacerlo el 9 de marzo de 1925 con la Orquesta Sinfónica de Madrid, y esta vez contó con la colaboración del violonchelista Juan Antonio Ruiz-Casaux, ilustre solista y músico de cámara, profesor del Real Conservatorio de Madrid. En «Don Quixote», pocas veces la escritura orquestal de Strauss se habrá mostrado más sutil y evanescente, pocas veces más incisiva y aguda, pocas también más triste, más dolorosa. Así se muestra al lector, a menudo, la gran novela de Cervantes.
Richard Georg Strauss fue un destacado compositor alemán del Romanticismo tardío. Es conocido particularmente por sus óperas, Lied y poemas sinfónicos. Él, junto con Gustav Mahler, representa el extraordinario florecimiento tardío del Romanticismo alemán después de Richard Wagner, en el cual delicadezas de orquestación vanguardistas son combinadas con un estilo armónico avanzado. La música de Strauss —quien también fue un destacado director— influenció profundamente en el desarrollo de la música en el siglo XX. Tras el éxito de sus poemas sinfónicos Don Juan (1889) y Las divertidas travesuras de Till Eulenspiegel (1895), Strauss compuso tres poemas sinfónicos de temática heroica, que han sido las obras que más han trascendido para el gran público: Así habló Zarathustra (Also spracht Zarathustra, 1896), Don Quijote (1897) y Una vida de héroe (Ein Heldenleben, 1898). Finalmente, aunque menos conocida para el gran público, Strauss consideraba que su obra cumbre en el terreno del poema sinfónico era la monumental Sinfonía Alpina (1915).
El «Cuarteto para piano en Do menor Op. 13» es posiblemente la obra más ambiciosa del Strauss que va ya a remontar el vuelo profesional. Fue estrenado el día 8 de diciembre de 1885. Su técnica compositiva es de primer orden. La abundancia de ideas llega a hacerse apabullante. Max Steinitzer escribió que, en aquella época, apenas había nadie que pudiera componer tal obra: las excepciones implícitas en este "apenas" serían, supongo, Brahms y Bruckner. El "Allegro" de apertura, amplio, elaborado y tempestuoso, alcanza una temperatura elevada. Sigue el "Scherzo", fiel a la herencia schumanniana, pero con una figura en el piano ya decididamente straussiana, con la estructura clásica y el breve trío. El "Andante" es muy original, muy lírico; la melodía pasa del piano a las cuerdas a la manera de Brahms; el segundo tema es de nuevo "scherzante", como si el autor considerara que el "Scherzo" propiamente dicho nos ha sabido a poco. El "Finale: Vivace", otra vez schumanniano en el ritmo y el juego de las síncopas, posee la pasión y el entusiasmo de quien sabe ya muy bien a lo que puede atreverse.
Merece la pena, para testimoniar la gran consideración que estaba alcanzando el nuevo prodigio de apenas veintiún años en aquel entonces, recoger aquí la historia "social" paralela a la composición del Cuarteto con piano. El día 11 de junio de 1885, justamente el del cumpleaños de Strauss, Hans von Bülow escribió desde Francfort al duque Jorge lo siguiente: «¿Puedo contar con el señor Richard Strauss para la próxima temporada? Estoy convencido de que su trabajo será del agrado de Vuestra Alteza. El joven, excepcionalmente dotado está aquí desde hace varios días. Su única falta consiste en su edad: 22 años, pero toda su naturaleza le ha atraído el respeto de la Orquesta de la Corte, que ya ha tenido ocasión de apreciarlo como compositor». También se dirigió así a Strauss: «Me alegra ver confirmada en todas partes la favorable impresión que ha producido aquí la atrevida aparición de su personalidad, que lleva consigo un talento tan destacado».
¡Escuchen el concierto en esta maravillosa versión del Verbier Festival Academy 2014!:
Dotada de una voz de coloratura excepcional —la cual domina aparentemente sin esfuerzos—, esta cantante surcoreana es una verdadera diva del más alto orden. Se puede decir que la naturaleza ha sido generosa con ella por dotarla con una fabulosa voz y una gran memoria. Sabe caracterizar sus personajes combinando un timbre brillante con una gran precisión en la interpretación. Sumi Jo (Soo Kyung Jo) nació en Seúl el 22 de noviembre de 1962 y esta semana les invito a verla y a escucharla.
Después de graduarse en canto y piano en su país, en la Escuela de Arte Sun Hwa de Seúl, llegó a Italia en 1983 para estudiar canto en la Academia de Santa Cecilia en Roma, especialmente con el tenor Carlo Bergonzi. En 1985 obtuvo su diploma, después de tres años de estudio en Música Vocal y Piano.
Debutó en 1986 en el Teatro Comunal Giuseppe Verdi de Trieste, en el rol de Gilda, de la ópera "Rigoletto". La performance de esta presentación atrajo la atención de Herbert von Karajan, quien la llamó «una voz del cielo». Ella misma cuenta: "Cuando llegué a Italia nadie podía creer que una asiática cantara ópera, por fortuna tuve el apoyo del maestro Karajan para empezar mi carrera sólida. Fue difícil acoplarme a la cultura europea, luego participé en muchos concursos y quizá tuve suerte porque los fui ganando. Así empezó todo y poco a poco me fueron conociendo, pero es cierto que algunos teatros no creían que podía lograrlo, pero pensaba en que por cada puerta cerrada, había una abierta. Además siempre creí en mi talento y sabía que era mi destino, que si trabajaba muy duro en algún momento los escenarios serían para mí".
En 1988 participó por primera vez en el Festival de Salzburgo con el pequeño rol de Barbarina, de la ópera "Las bodas de Fígaro". Más tarde, interpretó los roles de Oscar en Un baile de máscaras, y la Reina de la Noche de "La flauta mágica". Luego fueron llegando todos los grandes roles del repertorio de coloratura, tales como Lucia, Zerbinetta, Fiorilla, Amina, Elvira, etc., bajo la conducción de los célebres directores Georg Solti, Zubin Mehta, Lorin Maazel y Richard Bonynge. Compartió un premio Grammy por Mejor Grabación de Ópera, en el año de 1992, por la interpretación de Die frau ohne schatten, de Richard Strauss. También participó en la banda de sonido del filme "La novena puerta" de Wojciech Kilar, cuyo tema principal estaba basado en una melodía de Camille Saint-Säens
Sumi Jo ha participado en diversos festivales y conciertos de gala como el Festival de Salzburgo, los Juegos Olímpicos de Pekín y la Copa del Mundo Corea-Japón. Constantemente es invitada como concertista principal en escenarios de Estados Unidos, Asia, Europa y América Latina. Se presentó en la 39 edición del Festival Cervantino el viernes 28 de octubre de 2011. Es reconocida mundialmente por sus numerosos y variados roles operísticos, así como por sus presentaciones en concierto con artistas como Andrea Bocelli.Lejos de encasillarse en la Reina de la Noche, la cual ha cantado en casi todas las óperas del mundo y en numerosas grabaciones, fue incursionado exitosamente en otros géneros como la Ópera francesa, desde las más ligeras (Auber, Adam, Offenbach) hasta las más profundas (Massenet, Gounod, Charpentier), a las cuales se adapta perfectamente su voz y se ha establecido como una de las más relevantes sopranos modernas.
Cuenta con un amplio repertorio de ópera, concierto y recital, al cual añade sus presentaciones en formatos populares y en la llamada música "crossover" y es poseedora de un magnífico buen humor que lleva a donde quiera que va. Entre sus más de 50 grabaciones, cinco han logrado la categoría de Platino por sus altas ventas, y en 2003 se hizo acreedora al prestigioso Premio Puccini.
En una entrevista hecha en México el año pasado expresó: "No soy una diva de la ópera, porque es una carrera en la que siempre se tiene que estar trabajando, no importa la gran cantidad de grabaciones que hayas hecho. Además, me he enfocado en música de conciertos y también he cantado en espectáculos de televisión y en diversas películas, he trabajado con actores como Julia Roberts y Johnny Depp. Me gusta saber que mi voz puede servir para cosas como esas, pero también me alegra saber que a través de esos medios se puede llegar a públicos más amplios". Jo se las ingenia perfectamente bien para crear una cálida y estupenda relación entre ella y su audiencia cuando se encuentra sobre el escenario. Este es el modo en el que le gusta trabajar. Dentro de la profesión musical en sí misma, es algo sumamente extraordinario que las críticas positivas compitan por superlativos con los cuales elogiar su voz, su deslumbrante agilidad, su rango de cuatro octavas y su personalidad magnética, la cual incendia el escenario durante toda su actuación.
A mí me encanta escuchar el disco "SUMI JO: BARROQUE JOURNEY"
El vals (galicismo de valse que a su vez procede del germanismo Walzer) es un elegante baile musical a ritmo lento, originario del Tirol (Austria) allá por el siglo XII y que muchas generaciones relacionamos con las graduaciones o los XV años. Este baile conquistó su rango de nobleza durante los años 1760 en Viena, y se expandió rápidamente por otros países. Algunos autores creen que el vals tuvo su origen en la llamada «volte», una danza de baile en tres tiempos practicada durante el siglo XVI. La palabra vals nació en el siglo XVIII viene de "walzen" (girar en alemán), cuando el vals se introdujo en la ópera y en el ballet.
En su origen, el vals tenía un movimiento lento aunque, en la actualidad, se ha convertido en una danza de ritmo vivo y rápido. Su característica más significativa es que sus compases son de 3/4. En el compás del vals, el primer tiempo siempre es considerado como el tiempo fuerte (F), y los otros dos son débiles (d). Así, el patrón es "F, d, d". Al oír la palabra "vals", enseguida se relaciona con música clásica, pero lo cierto es que el vals sólo es una forma musical y puede estar en cualquier estilo, por ejemplo en forma de canciones rancheras mexicanas.
Frédéric Chopin, el gran compositor y pianista polaco, aportó una gran cantidad de excelentes vals para piano y, entre ellos, el vals más breve denominado "Vals del Minuto". Los Strauss también destacaron como grandes compositores de vals, especialmente Johann Strauss (hijo). Podemos decir con exactitud que tanto estos compositores como otros muchos, han llegado a formar una música que ha participado en el desarrollo artístico, tan importante para los humanos. Se conocen, por ejemplo, de Tchaikovsky piezas tan famosas como el Vals de El cascanueces, el Vals de La bella durmiente o el Vals de El lago de los cisnes, del mismo modo que habremos oído piezas de Strauss tales como Sangre Vienesa, el Vals de los Novios o el Vals del EmperadorMéxico también cuenta con grandes compositores del periodo del porfirismo en México, como Juventino Rosas: Sobre las olas; Enrique Mora: Vals Alejandra; Ricardo Castro: Capricho; Felipe Villanueva: Olímpica y Macedonio Alcalá: Dios nunca muere.
El disco que propongo escuchar contiene los siguientes valses:
Vals, El Danubio Azul - Strauss
Voces de primavera - Strauss
El vals de las flores, de (El Cascanueces) - Tchaikovsky
Contabile y vals - Paganini
Sangre vienesa, vals - Strauss
Vino, mujeres y canciones - Strauss
Vals de el lago de los cisnes - Tchaikovsky
Vals melancólico, op. 68 nº 6 - Grieg
Vals en do sostenido menor, op- 64 nº 2 - Chopin
Liebeslieder, op. 114. Vals - Strauss
Valses nobles y sentimentales - Ravel
Tiempo de vals, de (El Lago de los Cisnes) - Tchaikovsky
Hoy vuelvo mis oídos hacia alguien a quien hace tiempo no escuchaba: Richard Strauss. Esta vez para invitarles a escuchar la «Sinfonía Alpina» (Eine Alpensinfonie, según su nombre original en alemán) op. 64 del catálogo de obras del compositor alemán Richard Strauss es un poema sinfónico para gran orquesta (el último que escribiría el compositor de Múnich) de poco más de 45 minutos de duración con una música maravillosa que sirve como ejemplo para mostrar lo que se suele denominar música programática, porque cumple un programa (expresa un argumento) narrado por el compositor; en este caso la ascensión a un pico de los Alpes Bávaros y el retorno al valle.
