«LA BELLA DURMIENTE»... Una maravilla compuesta por Peter Ilyich Tchaikovsky

Yo creo que todos conocemos la historia de «La Bella Durmiente» (en ruso, Спящая красавица [Spyashchaya krasavitsa]), un cuento de hadas-ballet estructurado en un prólogo y tres actos, que fue encargado por el director de los Teatros Imperiales Ivan Vsevolozhsky en 1888 y se estrenó en 1890. La música fue compuesta por Peter Ilyich Tchaikovsky (1840-1893), que completó la partitura en 1889. Está basado en el cuento «La bella durmiente del bosque» de Charles Perrault, aunque Tchaikovsky y su libretista trabajaron con la versión de los hermanos Grimm (Dornröschen) para situar la trama de su ballet. Se trata de su op. 66 y es el segundo de sus ballets. El proyecto consistía en escribir un ballet al estilo de la época de Luis XIV, con melodías inspiradas en los modelos aportados por Lully, Bach, Rameau, y otros compositores del Barroco. El inevitable "divertissement" del último acto consistía en una serie de danzas bailadas por otros personajes de cuentos de Perrault: El gato con botas, El gato blanco, El pájaro azul, Cenicienta, Príncipe azul, Princesa Florine, Caperucita Roja y El lobo gris, Pulgarcito, sus hermanos y el ogro.

Tras el encargo de Vsevolozhky, Peter no tardó en descubrir que el tema era muy poético y de su gusto, y según su hermano Modesto, desde la ópera Eugene Onegin, no había trabajo con tanta inspiración en ninguna de sus obras. Los cuatro primeros cuadros fueron terminados en el curso de otras tantas semanas, y aunque hubo momentos de depresión para el autor, un hecho bastante frecuente en su vida creadora, e incluso la orquestación pareció darle algún trabajo, consiguió terminar la partitura, según hace constar su hermano, hacia fines de agosto de 1889.

El ballet sin lugar a dudas se centra en las dos principales fuerzas en conflicto del bien (el Hada de las lilas) y del mal (Carabosse). Cada una de ellas cuenta con un leitmotiv representativo, que se ejecuta a través de todo el ballet y que sirve como un importante hilo para la trama subyacente. En el tercer acto de la obra, sin embargo, no aparece ninguno de los dos motivos y en su lugar coloca el foco sobre los personajes individuales de las diversas danzas de la corte.

La obra se ha convertido en uno de los ballets más famosos del repertorio clásico y Tchaikovsky murió tres años después de su estreno, sin poder ver como una década más tarde, su querido ballet llegaba a las doscientas representaciones. El compositor estaba en lo cierto, esta es una de sus mejores obras en la que se une la belleza de las melodías, con la originalidad y una espléndida orquestación; su música trasciende el espectáculo visual y escénico porque en si misma es una gran obra sinfónica.

Les dejo dos versiones:





«La Quinta Sinfonía de Tchaikovsky»... La prueba de su genio creador

Peter Ilyich Tchaikovsky (1840-1893), sin lugar a dudas, fue un músico que conocía a la perfección su oficio y supo manejar los diversos elementos sonoros con un dominio impresionante. Ya he hablado bastante de él y he presentado algunas de sus obras. Esta vez toca el turno a su quinta sinfonía, que, a mi juicio, es una de las más bellas sinfonías de todos los tiempos, a pesar de que el compositor decía que ya se le había secado la imaginación.

Entre mayo y agosto de 1888 Tchaikovsky compuso esta obra con una duración aproximada de unos 46 minutos que fue estrenada en San Petersburgo el 6 de noviembre de ese año bajo la batuta del propio Tchaikovsky. Cansado del ruido y los aplausos, que nunca le satisficieron, se instala en Frolovskoie, en pleno campo, lugar que lo seduce por completo: «Me he enamorado absolutamente de Frolovskoie; esta comarca me parece el cielo en la tierra» escribió. En esta nueva residencia recobra la inspiración y comienza a exprimir una nueva sinfonía de su «cerebro embotado».

Hacia el 30 de mayo, ya estaba metido de lleno en la composición de la Quinta, al mismo tiempo que componía la obertura Hamlet. A principios de Agosto comenzó la orquestación y la concluyó en unas tres semanas, de manera que pudo demostrar al mundo que «no se había secado». El 19 de agosto escribía: «Ahora que la sinfonía está terminada puedo decir que, a Dios gracias, no es peor que las otras. ¡Esta certeza me es agradable!». Poco después, las primeras pruebas hacían furor entre sus amigos de Moscú, sobre todo en Taneiev, como se deduce de sus cartas: «Mis amigos están en éxtasis por lo de la sinfonía, pero habrá que ver cómo la reciben el público y el mundo musical de San Petersburgo».

Con una  instrumentación usual para las sinfonías de la época: tres flautas, resto de maderas a dos, cuatro trompas, dos trompetas, tres trombones, tuba, timbales y cuerda, Peter nos deja una sinfonía de cuatro movimientos, todos ellos de una belleza sobrecogedora: 1. Andante - Scherzo: Allegro con anima (mi menor). 2. Andante cantabile, con alcuna licenza - Non Allegro - Andante maestoso (re mayor). 3. Valse: Allegro moderato con patrioso (la mayor). 4. Andante maestoso - Non Allegro - Presto Furioso - Allegro maestoso - Allegro vivace - Scherzo: Allegro con anima (mi mayor → mi menor → mi mayor)

La Quinta de Tchaikovsky asombra y cautiva por el dinamismo de la escritura orquestal que es llevado al extremo mediante la construcción de esas zonas de clímax extendidas hasta un punto que roza la histeria. La manipulación de colores tonales oscuros, por otro lado, consigue crear la típica atmósfera de melancolía de las otras sinfonías tchaikovskianas. Sea como fuere, el final queda abierto, y pide a gritos una interpretación individual y una escucha activa, convirtiéndose la música en un instrumento de comunicación de los deseos y las esperanzas humanas. Hoy es una de sus sinfonías más interpretadas y se encuentra de lleno en los senderos posmodernos donde el sentimiento se revaloriza frente a la razón.

¡Escuchen y juzguen!

«SUEÑO DE INVIERNO»... La primera sinfonía de Tchaikovsky

Tchaikovsky, de quien ya he hablado en más de diez entradas en este blog, se graduó en el Conservatorio de San Petersburgo a los 25 años de edad. Por recomendación de su profesor Antón Rubinstein se trasladó en 1866 al nuevo Conservatorio de Moscú, donde obtuvo la cátedra de Armonía y, al mismo tiempo se convirtió en estudiante del director del Conservatorio, Nikolái Rubinstein, hermano de Anton.

El 15 de febrero de 1868 se escuchó por primera vez  esta primera sinfonía del compositor bajo la dirección de Nikolai Rubinstein, a la que  Tchaikovsky dio el subtítulo de «SUEÑO DE INVIERNO» ( o ensueños de invierno), puesto que la composición describía en su programa escenas de paisajes bien definidos del invierno. Esta es la obra que quiero, este domingo, invitarles a disfrutar, dado que acaba de nevar en mi querido Monterrey hace apenas unos días y a que en Roma también estamos en pleno invierno.

El primer movimiento de la sinfonía tiene el título de sueños de un viaje en invierno, mientras que el título del segundo movimiento es tierra desolada, tierra de niebla. Tchaikovsky tenía ya en su haber algunas obras sinfónicas menores —tres oberturas— cuando emprendió la composición de esta sinfonía, que le costó un enorme trabajo y puso en aprietos su salud. Además, un par de músicos había criticado la primera redacción de la obra y el compositor se vio llevado a introducir en ella varias modificaciones. La acogida del público fue calurosa, pero trabajó de nuevo sobre la partitura, e introdujo cambios importantes. El compositor, muy exigente y crítico con su propio trabajo, deseaba tener más tiempo para revisar la partitura, efectuando cortes hasta llegar a una primer revisión en 1874, seguida por otras hasta la primera ejecución pública de la versión final de la sinfonía en 1886.

La sinfonía, muy querida por el maestro, no tuvo una gran reputación y fue olvidada hasta los años setenta del siglo XX. Considerada una obra temprana e inmadura —fue compuesta cuando contaba con veintiséis años de edad— ha adquirido mayor notoriedad el segundo movimiento (adagio cantabile), que a menudo se interpreta por separado y se considera una página de intensa emoción.

Es lógico que, en esta obra, se evidencie una personalidad de Tchaikovsky no del todo formada aún, lo que no impide que la partitura apunte con claridad el talento del joven compositor, albergue una admirable belleza melódica y se escuche con mucho placer. La partitura se divide en cuatro movimientos, los dos primeros de los cuales poseen contenido programático.

1. Ensueños de un viaje de invierno. Allegro tranquillo. 

2. Tierra de desolación, tierra de niebla. Adagio cantabile ma non tanto. 

3. Scherzo. Allegro scherzando giocoso. 

4. Finale. Andante lugubre. Allegro maestoso.

La Marcha Eslava en Si bemol menor, Op. 31... una hermosa orquestación de Pyotr Ilyich Tchaikovsky

La Marcha Eslava en Si bemol menor, Op. 31 (también comúnmente conocida por su nombre en francés Marche slave) o Marcha Serbo-Ruso, es una  hermosa composición orquestral de Pyotr Ilyich Tchaikovsky.

En junio de 1876, siguiente a los incidentes en que los soldados turcos mataron a un gran número de eslavos cristianos quienes se rebelaron contra el Imperio otomano y fueron apoyados por países como Austria y Rusia, Serbia declaró la guerra en Turquía. Muchos rusos se solidarizaron con los que consideraban sus colegas eslavos y enviaron soldados voluntarios y de ayuda al Reino de Serbia. En la lucha siguiente el ejército serbio fue rápidamente derrotado por los turcos.

Nikolái Rubinstein, un amigo cercano de Pyotr —en este entonces profesor del Conservatorio de Moscú— le pidió componer una pieza para un concierto de beneficencia para los voluntarios rusos heridos. En un arranque de patriotismo Tchaikovsky compuso y orquestó esta obra en sólo cinco días. La pieza fue estrenada en Moscú el 17 de noviembre de 1876 con una cálida acogida del público.

La obra pertenece con toda propiedad al género conocido como música programática. De la mano de canciones populares serbias, son en ella distinguibles pasajes sobre la opresión sufrida por los serbios, su grito de ayuda, la respuesta rusa que va en camino, y hasta un esperanzado canto de triunfo futuro, mediante la invocación del himno nacional ruso. La pieza dará algunos trozos para inspirar la Obertura 1812, que Piotr va a componer cuatro años más tarde.

Les invito a ver y escuchar estos dos videos y disfrutar de esta hermosa composición.

Orquesta Sinfónica Juvenil de Caracas

Director: Cesar Ivan Lara:

Una soberbia interpretación con el ya fallecido director ruso Yevgeny Svetlanov:

«MANFREDO» Op. 58... Una Sinfonía de Tchaikovsky.

Esta semana quiero invitar a mis 10 seguidores a escuchar lo que Tchaikovsky llamó «Mi mejor sinfonía».

«MANFREDO» es una obra que contiene todas las características del músico ruso: drama, lirismo, brillante orquestación, libertad formal, pero, que casi no se conoce. Las críticas siempre han estado divididas, debido a las referencias programáticas de la obra, su duración, las dificultades en la interpretación y la naturaleza de los temas.

Orquestada en si menor, «MANFREDO» Op. 58, fue compuesta entre mayo y septiembre de 1885, basándose en el poema "Manfred" escrito por Lord Byron en 1817. En principio, el proyecto de una sinfonía con este poema de Lord Byron, había sido encargado a Berlioz por Balakirev, pero no se decidió a abordar este tema porque no sintonizaba con su esquema mental, y entonces fue Tchaikovsky quien escribió la partitura, quedando como la única sinfonía que no fue numerada por el compositor.

«MANFREDO» fue escrita entre la cuarta y la quinta sinfonía. Algunos, como el mismo Tchaikovsky afirma, dicen que este fue su trabajo más brillante e inspirador; entre ellos el director Arturo Toscanini. Por otro lado, hay quienes opinan todo lo contrario, como Leonard Bernstein, que se refería a esta sinfonía como "basura". Algunos opinan que Tcjaikovsky la consideró primero como su mejor obra pero que luego tuvo la intención incluso de romper la partitura, cosa que nunca realizó.

La obra ha sido grabada en varias ocasiones, incluidas grabaciones con grandes orquestas y directores. Entre los directores que ha grabado esta sinfonía se incluyen Lorin Maazel, André Previn, Eugene Ormandy, Yuri Temirkánov, Yevgueni Svetlánov, Riccardo Muti, Ígor Markévich, Andrew Litton, Mijaíl Pletnev, Vladímir Fedoseyev y otros. «MANFREDO» es rara vez interpretada en concierto, debido a que es larga, desconocida, y requiere una gran orquesta. Además, se considera bastante difícil de tocar.

La sinfonía «MANFREDO» fue interpretada por primera vez en Moscú en marzo de 1886. Fue dedicada a Mili Balákirev y tiene aproximadamente 58 minutos de duración.

Está escrita para tres flautas, dos oboes, corno inglés, dos clarinetes en la, clarinete bajo en si ♭, tres fagotes, cuatro trompas, dos cornetas, dos trompetas, tres trompas, tuba, timbal, percusión, platillos, gong, campanas, triángulo, pandereta, dos arpas, violines primeros y segundos, violas, violonchelos, contrabajos y un órgano, que interviene brevemente en la coda del Finale.

Está compuesta por cuatro movimientos:

Lento lugubre

Vivace con spirito

Andante con moto

Allegro con fuoco

Los invito a escucharla con la Orchestra Sinfónica de Milán "Giuseppe Verdi" en Londres, dirigida por la china Xian Zhang en una interpretación sensacional:

«FATUM»... Una de las más desconocidas composiciones de Tchaikovsky

Hay música de ciertos compositores que es siempre interpretada con bombo y platillo, obras que se repiten una y otra vez en las grabaciones o en los concieretos y otras que quedan casi casi en el olvido total, como esta que quiero compartir para esta semana: El Poema Sinfónico «Fatum», de Tchaikovsky.

Un poema sinfónico es una obra de origen extra musical, es decir, de carácter poético literario, cuya finalidad es mover sentimientos y despertar sensaciones, o describir una escena mediante la música. Generalmente consta de un único movimiento y está escrito para orquesta, aunque puede ser para piano o para pequeñas formaciones instrumentales. El poema sinfónico es una guía para el desarrollo de la forma musical como tal en términos técnicos.

El término fue aplicado por primera vez por Franz Liszt que escribió trece composiciones de este género. La música descriptiva fue sin duda el mejor camino para transmitir obras literarias, ya fueran de carácter religioso, épico, heroico, fantástico, etc. pero será con el poema sinfonico donde ésta encuentre su más fuerte forma de expresión.

Un poema sinfónico puede ser una obra en sí misma, o formar parte de un ciclo de poemas sinfónicos a modo de suite.

Peter Ilyich Tchaikovsky comenzó a trabajar en el Poema Sinfónico que nos atañe, entre finales de septiembre y principios de octubre de 1868, armó la estructura del mismo entre el 21 de octubre y el 2 de noviembre, y completó la obra en diciembre de ese mismo año. El estreno tuvo lugar el 15 de febrero 1869, en el octavo concierto de la Sociedad Musical Rusa en Moscú , bajo la dirección por Nikolai Rubinstein . Tchaikovsky, curiosamente, escribió esta obra sin intención conocida, por eso a veces parece no ser su estilo. Él simeplemente fue añadiendo música según sus propios sentimientos a un texto en verso de Konstantin Nikolayevich Batyushkov sobre el tema de la futilidad de la vida humana. Tal vez los momentos de confusión por los que Peter Ilych atravesaba, y que no es el momento ni el lugar de describir, lo llevaron a refugiarse aquellosdos meses en eso.

Dicen que en el estreno el público, desconcertado, por la discrepancia entre los versos melancólicos y las partes más brillante de la música —una majestuosa introducción,  y el Allegro final— aplaudió calurosamente al final. La noche del estreno, Tchaikovsky escribió a su hermano Anatoli diciéndole: "Parece ser la mejor cosa que he escrito hasta ahora, al menos, eso es lo que dice la gente (con bastante éxito)".

Sin embargo, años más tarde, debido a que la obra no fue apreciada en otras partes como el día de su estreno, hizo que el compositor llegara incluso a destruir un manuscrito original que, en base en esto, estaba componiendo para una ópera. En 1896, tras la muerte de Tchaikovsky, la ópera fue reconstruido por la partitura original para orquesta y publicado por Mitrofan Belyayev como op. 77 a título póstumo.

Por supuesto es una obra que no ha sido grabada mucho y de la que no hay mas que pocas interpretaciones, pero vale la pena escucharla, estoy seguro que a más de dos de mis 7 perseverantes seguidores les gustará. ¡Feliz Domingo!

PURE CLASSICS... Volver a escuchar a David Garrett

Ya en otra ocasión he hablado del superestrella del violín David Garrett, señalado por el Libro Guinness de los Récords desde mayo de 2008 como el violinista más rápido del mundo. La prueba, para ver quien es el más veloz, consiste en tocar «El vuelo del abejorro» de Nikolái Rimski-Kórsakov lo más rápido posible, sin fallos y de manera que siga siendo reconocible la melodía. Consiguió este mismo récord en dos ocasiones. En la primera paró el tiempo en 66,56 segundos, unas trece notas por segundo. En la segunda ocasión, en diciembre de 2008 en la mismo Guinness World Records show, Garrett consiguió tocar la pieza en tan sólo 65,26 segundos.

Hoy quiero hablar de su disco «Pure Classics» y por supuesto, invitar a mis cinco seguidores a escucharlo. Este disco lo grabó en el 2002 y está integrado de piezas selectas de Paganini, Mozart, Bach, Tchaikovsky, Beethoven y Conus. Se puede decir que les hablo de un disco de la etapa en que Garrett no era tan conocido, como lo es ahora que ha fusionado mucha de la música clásica con el rock, acercándola a la gente joven y haciendo ver a todos cómo la música clásica es base para toda música. Garrett dice: «Es fácil explicar la comparación de un hit del desparecido Michael Jackson con un concierto de violín de Wolfgang Amadeus Mozart: La base armónica de 'Smooth Criminal' se parece a una famosa marcha turca en la última parte del concierto de Mozart. Sólo que Mozart, naturalmente, no había previsto las guitarras eléctricas ni la batería.».

En este disco Garrett nos ofrece temas de una pureza excepcional, algunos de los cuales en épocas recientes los ha combinado con el rock, al estilo de otros músicos como Vanessa Mae y Bond.

Me parece destacada la forma en que interpreta a aPaganini en este disco. Se han hecho muchas versiones de las diferentes obras de este brillante compositor y violinista, pero el hecho de ser interpretada parte de esta obra maravillosamente al violín por este músico es de admirarse.

Del resto de los compositores mencionados, hay un poco de todo; maravillosas composiciones que suenan a la perfección interpretadas al violín por David Garrett. 

En definitiva, se trata de un disco bastante bueno, merece la pena escucharlo, es redescubrir algunos temas que ya conocíamos, pero también oír temas menos escuchados —como el adagio del concierto para violín de Conus— magníficamente interpretados por el violín de David Garrett. 

Y es que aunque en este disco David Garrett interprete estos temas de un modo clásico que parecería ser el común, consigue crear un ambiente único y mágico. 

El contenido del disco es el siguiente:

De Wolfgang Amadeus Mozart (1756 - 1791):
Violin Concerto in D, KV271i con una cadenza de George Enescu (Allegro maestoso).
Sonata for Piano and Violin in B flat, K.454 (Allegretto).

De Johann Sebastian Bach (1685 - 1750):
Partita for Violin Solo No.2 in D minor, BWV 1004 (Giga). 

De Ludwig van Beethoven (1770 - 1827):
Sonata for Violin and Piano No.5 in F, Op.24 - "Spring" (Allegro ).

 De Niccolò Paganini (1782 - 1840):
 24 Caprices for Violin, Op.1 

 De Jules Conus (1869 - 1942):
 Violin Concerto in e minor (Adagio).

 De Peter Ilyich Tchaikovsky (1840 - 1893):
 Violin Concerto in D, Op.35  (Allegro vivacissimo).

Por eso si tienen oportunidad de escuchar este disco, se los aconsejo, porque es una delicia disfrutar de la maestría de este virtuoso del violín interpretando piezas conocidas y otras no tanto. ¡Qué disfruten!

Algunos videos de David Garrett:

Esta es la portada del disco:

LA MÚSICA CLÁSICA EN EL CINE... El cd "Favorite film music"

Acabo de escuchar un cd de la colección Inspiration que se llama "FAVORITE FILM MUSIC" y que más que nada me parece una verdadera «escuela» para que mucha gente aprenda y pruebe el gusto por la música clásica.

El disco contiene obras de Johann Sebastian Bach, Sir Edward Elgar, Gustav Holst, Wolfgang Amadeus Mozart, Giovanni Pergolesi, Giacomo Puccini, Franz Schubert, Francisco Tarrega, Peter Ilyich Tchaikovsky que han aparecido en películas como Un milagro para Lorenzo, El silencio de los inocentes, Billy Elliot, Ace Ventura, Entre copas, Memorias de África, Amadeus, El club de la suerte y la alegría, Elizabeth y otras más.

El cine y la música clásica muchísimas veces se unen, en ocasiones han dado pie a excelentes ambientaciones de películas o han creado conjuntamente escenas míticas y han hecho que mucha gente llegue a conocer las obras de los grandes compositores gracias a una película, cuyo momento, musicalizado por uno de los «grandes» ha quedado grabado en su corazón.

Este disco nos presenta dieciocho obras clásicas de bandas sonoras que seguro se han quedado en la pupila y en el tímpano de quien ha disfrutado de las mismas. Quien haya visto Memorias de Africa, recordará el bello Concierto para oboe y orquesta de W.A. Mozart. Cómo olvidar el Nessun dorma de la ópera Turandot, obra de Puccini, en Las brujas de Eastwick, la música de Tarrega en la película Entre copas, o El lago de los cisnes de Tchaikovsky en Billi Elliot.

Desde los primeros comienzos del cine, la música ha sido un elemento fundamental como potenciador de la imagen. La música clásica en la pantalla grande, ha ayudado mucho para que se expresen sentimientos, circunstancias, pensamientos e ideas que conmueven la sensibilidad del individuo y  producen una transformación psicológica en el cinéfilo metiéndolo en la escena.

Este disco, contiene casi todo género de música clásica, podemos ir al Ballet, al periodo Barroco, a las piezas de carácter fuerte, al periodo clásico propiamente dicho, a la Ópera buffa, al Concierto, a la Ópera, a los Motetes, a una Sinfonía y detenernos en en Adagio, podemos escuchar algo del periodo romántico o un quinteto de cuerdas, podemos escuchar Temas y Variaciones y más, lo cual, como afirme desde el inicio del comentario, hace de esto una escuela de música, ofreciendo al oyente una especie de  curso rápido de apreciación musical. Hay innumerables ejemplos de uso de música clásica en los que la pieza está tan bien elegida y refuerza tanto lo que se proyecta en la pantalla que parecería imposible crear una obra que pueda cumplir mejor esas funciones. Estoy pensando en Breve encuentro y el Concierto Nº 2 de Rachmaninov, o en los dos Strauss (Richard y Johann hijo) en 2001 Odisea del espacio. ¿Seríal igual muchas de estas películas sin esa música clásica? Seguro que no.

En este cd tenemos directores de la talla de Adrian Boult, Colin Davis, Norman Del Mar, Herbert Von Karajan, Alain Lombard, Riccardo Muti, Paul Daniel, Andre Previn, Sir Simon Rattle, Sir Neville Marriner y Hans Vonk. Podemos escuchara solistas como Barry Tuckwell con el crono francés, Robin Blaze y Robert Cohen en el Cello, Fritz Helmis y James Galway con sus flautas, el tenor José Carreras y la soprano Lesley Garrett. Aquí deleitamos nuestro oído escuchando al piano a Radu Lupu y Christopher Parkening, y a Sabine Meyer en el clarinete.

En esta ocasión remito a otra página para ver el elenco del cd y poderlo disfrutar, y coloco algunas de las obras en videos que no son de las películas.

Para ver el contenido del cd

Algunas de las obras que aparecen en el cd:

Concierto para clarinete de Mozart en "Memorias de África":

Ave verum de Mozart en "Un milagro para Lorenzo"

Variaciones Goldberg de Bach en "El silencio de los inocentes":

Favorite Film Music

Varios compositores

Realizado el 26 de julio de 2011.

EMI Classics

EL CASCANUECES... El más conocido de todos los ballets

«El cascanueces» (Op. 71) se ha convertido quizá en el más popular de todos los ballets, y es principalmente representado en Navidad. Esta obra es un cuento de hadas-ballet en dos actos y tres escenas de Piotr Ilich Tchaikovski (1840–1893): Fue compuesto en 1891–1892, cuando Tchaikovski puso música a la adaptación que Alejandro Dumas (padre) hiciera del cuento El cascanueces y el rey de los ratones, de Ernst Theodor Amadeus Hoffmann. La música del ballet de Tchaikovsky es una de sus partituras más populares. La música pertenece al período romántico y contiene algunas de sus melodías más memorables

Tchaikovski hizo una selección de ocho de los números del ballet antes de su estreno en diciembre de 1892, formando así "La suite de El cascanueces Op. 71a", concebida para tocar en concierto. La suite se tocó bajo la dirección del compositor el 19 de marzo de 1892, con ocasión de una reunión de la sucursal de San Petersburgo de la Sociedad Musical y junto con la ópera final de Tchaikovski, "Yolanta". La suite se volvió popular desde entonces, pero el ballet completo no logró su gran popularidad sino hasta el año de 1960.

Entre otras cosas, la música de «El cascanueces» se conoce por su uso de la celesta, un instrumento que el compositor ya había empleado en su balada sinfónica mucho menos conocida, "El Voivoda" (estrenada en 1891). Aunque se conoce como el instrumento solista presentado en el acto II de la Danza del Hada de Azúcar, la celesta se emplea en otras partes del mismo acto.

La obra empieza con una obertura «en miniatura», la cual también comienza la Suite. La música crea un ambiente de cuento de hadas mediante los registros altos de la orquesta. El telón se abre y en el primer acto se muestra la casa de los Stahlbaum, en la cual se prepara la fiesta de la víspera de la Navidad. Clarita, su hermano Fritz y sus padres celebran la noche con amigos y familia, cuando entra el padrino misterioso, Herr Drosselmeyer, sacando un saco de regalos para todos los niños. Todos están felices, con excepción de Clarita, quien no ha recibido ni un regalo todavía. Herr Drosselmeyer presenta entonces tres muñecas de tamaño natural, cada una bailando en torno a sí. Cuando están completas las danzas, Clarita se acerca a Herr Drosselmeyer pidiendo un regalo. Parece que a él le faltan más regalos, y Clarita corre con su madre teniendo un arranque de lágrimas. Drosselmeyer presenta luego un juguete de cascanueces, en la forma tradicional de un soldado en uniforme de formación. Clarita queda fascinada, pero su hermano siente envidia y quiebra el cascanueces. La fiesta termina y la familia Stahlbaum se acuesta. Mientras todos están durmiendo Herr Drosselmeyer arregla el Cascanueces. Después Clarita se despierta y ve que su ventana está abierta. Cuando el reloj toca la medianoche, oye el sonido de ratones. Se despierta y trata de fugarse, pero los ratones la detienen. Tal vez Clarita esté soñando todavía: El árbol de Navidad de repente se vuelve enorme, llenando la sala. El cascanueces cobra vida; él y sus soldados se levantan para defender a Clarita, y el Rey de los ratones encabeza a sus ratones en batalla. (Aquí Tchaikovski sigue el clima «de miniatura» de la obertura, poniendo la mayoría de la música de batalla en los registros altos de la orquesta). Sucede un conflicto, y cuando Clarita ayuda al Cascanueces sosteniendo la cola del rey de los ratones y jalándole un zapato, éste aprovecha la oportunidad y apuñala al rey, que muere. Los ratones se retiran llevándose a su líder. Luego, el Cascanueces se transforma en un príncipe. (En el cuento original de Hoffmann y en las versiones del Ballet Real de 1985 y 2001, el príncipe es el sobrino de Drosselmeyer, a quien el rey de los ratones había convertido en un Cascanueces, y todos los acontecimientos después de la fiesta de Navidad se han arreglado por Drosselmeyer para eliminar el hechizo). Clarita y el príncipe viajan a un mundo donde copos de nieve bailarines los saludan y donde hadas y reinas bailan para darles la bienvenida a su mundo. La música expresa las imágenes maravillosas presentando un coro de niños sin palabras. El telón cae y termina el primer acto.

En el segundo acto, Clarita, el Cascanueces y Drosselmeyer llegan al Reino de los Dulces donde los recibe el hada de Azúcar, su caballero y el resto de los dulces. Se suceden una danza española, identificada a veces con el chocolate, una china, a veces con el té, una árabe, con el café, y luego una rusa, a veces llamada Bastones de Caramelo (la danza rusa es el Trepak), Mamá Jengibre y sus Polichinelas (a veces Bombones, o payasos de la corte en la representación de Mijaíl Barýshnikov), las Flautas de lengüeta (a veces Pastoras de Marzipan o Mirlitons), el hada de Azúcar, y el famosísimo vals de las Flores. (Cabe mencionar que las danzas en el Reino de los Dulces no siempre siguen el mismo orden). Después de las celebraciones, Clarita se despierta bajo el árbol navideño con su cascanueces de madera, alegre por su maravillosa aventura, y cae el telón.  (Sin embargo, como hay varias versiones, en la versión de Balanchine, nunca se ve a Clarita despertándose, sino que tras todas las danzas en el Reino de los Dulces, ella y el príncipe Cascanueces se deslizan en un trineo tirado por renos y finaliza la obra. El sueño ha sido real, como en el cuento original de Hoffmann. La versión del Ballet Real también lo representa de esta manera. Finalmente, el sobrino de Drosselmeyer, que había sido transformado en cascanueces, reaparece bajo forma humana en la juguetería de su tío).

En Monterrey es una tradición que cada año por estas fechas, se presente en el Teatro de la Ciudad por el Ballet de Monterrey y a veces con la Orquesta Sinfónica de la Universidad Autónoma de Nuevo León en vivo. Es un espectáculo que vale la pena disfrutar y es para todos, grande y chicos.

Los dejo con El Cascanueces en varias versiones:

CONCIERTO PARA VIOLÍN EN RE MAYOR OP. 35 DE TCHAIKOVSKY... Uno de los conciertos más populares y más difíciles para violín

El Concierto para violín en re mayor, Op. 35, compuesto por Piotr Ilich Tchaikovsky en 1878, es uno de los conciertos para violín más populares, una música que a muchos encanta. Este concierto, a la vez, está está considerado como una de las obras más difíciles para violín. De hecho, cuando Tchaikovsky terminó de escribirlo en 1878, dedi­cándoselo a uno de los maestros del violín de la época, Leopold Auer, él lo rechazó aduciendo que era una pieza imposible de tocar. . Es un concierto de época romántica y escrito para violín y orquesta.

Esta hermosa obra fue compuesta en marzo de 1878 en Clarens, un lugar vacacional en Suiza a las orillas del lago Lemán donde Tchaikovsky fue a recuperarse de una depresión surgida por su desastroso matrimonio con Antonina Ivanovna Milyukova que le llevó a un intento de suicidio. Acababa de terminar su Sinfonía nº 4 y su ópera Eugenio Oneguin.

El compositor estaba acompañado por su alumno de composición, el violinista Iósif Kotek, y los dos tocaban obras para violín y piano juntos, lo que pudo ser el catalizador para la composición del concierto. Tchaikovsky —como bien se sabe— no era violinista, así que fue asesorado para la composición de la parte solista por Kotek. Hizo rápidos progresos —esbozó la obra en 11 días y la terminó en dos semanas más—, y la finalizó en un mes si bien el movimiento central fue revisado completamente (Kotek y el hermano menor de Tchaikovsky, Modest, lo consideraron flojo, una versión del movimiento original se conserva como la primera de las tres piezas para violín y piano, Souvenir d'un lieu cher).

Kotek no tenía aun el suficiente prestigio como para estrenar una obra de Tchaikovsky, así que el compositor por eso inicialmente ofreció el estreno a Leopold Auer, y acordó dedicárselo a él, sin embargo, Auer no lo tocó sino un tiempo después por la razón que ya dimos: ¡Pensaba que la obra era intocable, lo que significó que el estreno planeado para marzo de 1879 fuese cancelado y que se buscó otro nuevo solista. El estreno eventualmente lo dio Adolph Brodsky (Tchaikovsky cambió la dedicatoria hacia él) el 22 de noviembre/4 de diciembre de 1881, en Viena, Austria bajo la dirección de Hans Richter, pero con poco ensayo y pobremente acompañado. La reacción de la crítica fue mixta, y la obra ciertamente no fue recibida como la obra maestra que es considerada hoy. El influyente crítico Edward Hanslick lo llamó "largo y pretencioso". Sin embargo, desde las notas introductorias del primer movimiento de este concierto se experimenta una alegría de vivir desbordada

Dejo para sus oídos una versión con el joven violinista Antal Szalai, nacido en Hungría en 1981, quien lo interpreta junto con la Orquesta Nacional Belga dirigida por Gilbert Varga. Antal Szalai, como muchos de los grandes virtuosos, empezó sus estudios musicales a los cinco años de edad. Tras años de estudio y después de ganar varios premios su talento fue reconocido por el mismo Isaac Stern. Escuchando su interpretación no hay duda de que su nombre figura entre los grandes intérpretes de violín. La grabación es del año 2005.

"Pathétique"... La última sinfonía de Tchaikovsky

Rusia ha ofrecido a los que integramos este planeta Tierra grandes músicos, con sus propias características, personalidades, y en donde no cabe la menor duda su música ha perdurado por años y se seguirá escuchando por mucho tiempo, sobre todo, la clásica.

El estreno de la sinfonía no tuvo la acogida que el compositor esperaba. Hubo una especie de perplejidad entre el públic mamá murió cuando él tenía 14 años y su padre lo hicieron obligó a estudiar leyes aunque nunca dejó la música. Se graduó de abogado a los 19 años pero ejerció poco, de manera que abandonando por completo la carrera se dedicó a la música de tiempo completo. A los 27 años empezó a componer y a estrenar sus obras con mucho éxito. Cuestionándose su sexualidad se casa con una de sus alumnas y fracasa en su matrimonio cayendo en una depresión que le acompañará siempre en su vida de solitario. En esa época, a pesar de sus problemas emocionales, goza de un reconocimiento de público y crítica muy grande.

Su música representa la conexión de Rusia con la tradición occidental del Romanticismo. Se puede afirmar que Tchaikovsky fue un gran experimentador. Algunos autores lo han visto como un compositor que dominó todos los aspectos de la composición, incluso, por supuesto, el nacionalismo ruso. Introdujo innovaciones en la forma que se pueden apreciar en muchísimas de sus obras, incluida la sexta sinfonía. Tchaikovsky usó compases irregulares e inusuales (véase el segundo movimiento de la sexta, en 5/4); utilizó la métrica de un modo muy expresivo; su forma de armonizar es audaz y fue renovadora en su tiempo; su sentido del color orquestal es muy original e inspiró a otros compositores de la siguiente generación (piénsese en Stravinksy y sus primeros ballets).

La sexta sinfonía fue bosquejada a principios de 1893. Se sabe que Tchaikovsky había roto un primer borrador, pero que se había prometido a sí mismo "que esta vez terminaría a fuerza de voluntad". En octubre de 1893 entregó la primera versión y empezó a preparar una versión para dos pianos. El título que Tchaikovsky propuso «Pathétique» hace suponer que hay un programa detrás de la sinfonía. Sin embargo, el compositor mantuvo el misterio sobre dicho programa.

Claramente es una sinfonía que admite múltiples lecturas. Unos autores la estudian desde el punto de vista de su depresión. La sensualidad que desprende la sinfonía ha sido interpretada como una sublimación de algún amor prohibido. A nadie se le escapa que la sinfonía trata el tema del destino (aquí la palabra pathétique significa emoción y no ridículo). La sinfonía parece alentar la idea de que alguna manera, quizás dentro de nuestra ingenuidad, podemos retar, hasta apostar, con el destino. Oscilamos entre una comprensión clara de nuestro destino, como en los temas de la desesperación del cuarto movimiento, hasta el optimismo ciego, como en la marcha del tercer tiempo, pasando por una profunda compasión por nuestra condición, como en el tema de la consolación.

El estreno de la sinfonía no tuvo la acogida que el compositor esperaba. Hubo una especie de perplejidad entre el público y la crítica. No entendieron su significado, acaso sus innovaciones formales (¿una sinfonía terminando en un adagio lamentoso?) fueron excesivas. A los pocos días Tchaikovsky murió de cólera por haber bebido agua sin hervir. Se especuló sobre si se suicidó o apostó su vida por un trago con el destino. La siguiente vez que se tocó la sinfonía fue un éxito arrollador. Parece que el público entendió la sinfonía tras su muerte.

Ahora la dejo ante sus ojos y oídos... ¡Disfrútenla bajo la batuta de Herbert Von Karajan!

El lago de los cisnes... El ballet más apreciado de todos los tiempos

Tchaikovsky siempre ha sido para muchos, el compositos de música para ballet más apreciado en la tradición clásica.

¿Qué contribuye en el mundo de la danza clásica a que sea así? Basta verlo y/o escucharlo, comenzando por las notas del tema melancólico y misterioso del oboe, que anuncia la presencia de la princesa-cisne junto al lago, luego los ritmos, ya sean rápidos o lentos, que han inspirado (y aún inspiran) coreografías líricas, fluidas, y hasta un tanto dramáticas –si se quiere–que ofrecen gran oportunidad de lucimiento a los intérpretes.

La obra transcurre entre el amor y la magia, enlazando en sus cuadros la eterna lucha del bien y del mal. La protagonizan el príncipe Sigfrido, enamorado de Odette, joven convertida en cisne por el hechizo del malvado Von Rothbart y Odile el cisne negro e hija del brujo.

La primera presentación de El lago de los cisnes tuvo lugar en el Teatro Bolshoi de Moscú, el 4 de marzo de 1877. Tchaikovsky nunca antes había escrito música para ballet, a pesar de tener en su haber infinidad de maravillosas composiciones (que incluyen tres ballets, seis sinfonías, diez óperas, tres conciertos de piano y uno de violín, música incidental para distintas obras teatrales y un número considerable de canciones y piezas para piano). Según escribiera a su amigo Nikolai Rimsky-Korsakov, Tchaikovsky aceptó el proyecto de componer la música del ballet, porque “necesitaba dinero, y hacía tiempo que deseaba tratar de componer música de ese tipo”.

Con el tiempo, el propio Tchaikovsky revisó la partitura en varias ocasiones, añadiendo fragmentos de música de algunas otras de sus obras, en especial el Adagio principal de la ópera Ondine, que él mismo había descartado años atrás. A principios del siglo XX este Adagio sería añadido a la famosa escena del lago de Ivanov, donde quedaría convertido hasta nuestros días en el conocido y admirado Pas de deux central de ese acto.

Es difícil constatar cuántas versiones de este ballet han sido creadas hasta el presente, o cuántas existen activas en repertorios de compañías de la actualidad. Entre las puestas en escena más comentadas de años recientes, existen las que llevan las rúbricas de figuras de gran prestigio como Rudolf Nureyev, hecha para el Ballet Estatal de Viena, en 1964; la de Erik Bruhn, Ballet Nacional de Canadá, 1967; Anthony Dowell, Real Ballet de Londres, 1987; Peter Shaufuss, Ballet Holstebro, Dinamarca, 1998; Kevin McKenzie, American Ballet Theatre y Patrice Bart, Ballet de la Ópera Estatal de Berlín, 1998, etc. A todas éstas podría añadirse la versión de 35 minutos compuesta por George Balanchine para el New York City Ballet, sobre el “acto blanco” de Ivanov, que data de 1951, y la de Matthew Bourne, que en 1995 agitó al mundo del ballet con la cuestionable presencia de cisnes masculinos en la escena. Estas conocidas figuras aportaron nuevos puntos de vista al extraordinario trabajo que un francés y dos rusos lograron en otro siglo.

En Monterrey, durante estos días, dentro del Festival Internacional Santa Lucía, se puede apreciar la puesta en escena en el Teatro de la Ciudad por el Ballet de Monterrey que en una versión realizada para dos actos resulta sencillamente ¡genial!

Yo aquí les dejo una versión completa con Svetlana Zakharova, una bailarina de ballet clásico ucraniana que nació en Lutsk, Ucrania, el día 10 de junio de 1979 y es fantástica en el rol principal. Ha sido solicitada por diversas compañías de ballet para intepretar el papel del cisne blanco (Odette) y el cisne negro (Odile). ¡Disfrútenlo aquí si no están en Monterrey y no pueden ir al Teatro de la Ciudad!

LOS MEJORES VALSES... Strauss, Tchaikovsky, Paganini, Chopin, Ravel y Grieg

El vals (galicismo de valse que a su vez procede del germanismo Walzer) es un elegante baile musical a ritmo lento, originario del Tirol (Austria) allá por el siglo XII y que muchas generaciones relacionamos con las graduaciones o los XV años. Este baile conquistó su rango de nobleza durante los años 1760 en Viena, y se expandió rápidamente por otros países. Algunos autores creen que el vals tuvo su origen en la llamada «volte», una danza de baile en tres tiempos practicada durante el siglo XVI. La palabra vals nació en el siglo XVIII viene de "walzen" (girar en alemán), cuando el vals se introdujo en la ópera y en el ballet.

En su origen, el vals tenía un movimiento lento aunque, en la actualidad, se ha convertido en una danza de ritmo vivo y rápido. Su característica más significativa es que sus compases son de 3/4. En el compás del vals, el primer tiempo siempre es considerado como el tiempo fuerte (F), y los otros dos son débiles (d). Así, el patrón es "F, d, d". Al oír la palabra "vals", enseguida se relaciona con música clásica, pero lo cierto es que el vals sólo es una forma musical y puede estar en cualquier estilo, por ejemplo en forma de canciones rancheras mexicanas.

Frédéric Chopin, el gran compositor y pianista polaco, aportó una gran cantidad de excelentes vals para piano y, entre ellos, el vals más breve denominado "Vals del Minuto". Los Strauss también destacaron como grandes compositores de vals, especialmente Johann Strauss (hijo). Podemos decir con exactitud que tanto estos compositores como otros muchos, han llegado a formar una música que ha participado en el desarrollo artístico, tan importante para los humanos. Se conocen, por ejemplo, de Tchaikovsky piezas tan famosas como el Vals de El cascanueces, el Vals de La bella durmiente o el Vals de El lago de los cisnes, del mismo modo que habremos oído piezas de Strauss tales como Sangre Vienesa, el Vals de los Novios o el Vals del EmperadorMéxico también cuenta con  grandes compositores del periodo del porfirismo en México, como Juventino Rosas: Sobre las olas; Enrique Mora: Vals Alejandra; Ricardo Castro: Capricho; Felipe Villanueva: Olímpica y Macedonio Alcalá: Dios nunca muere.

El disco que propongo escuchar contiene los siguientes valses:

Vals, El Danubio Azul - Strauss
 Voces de primavera - Strauss
 El vals de las flores, de (El Cascanueces) - Tchaikovsky
 Contabile y vals - Paganini
 Sangre vienesa, vals - Strauss
 Vino, mujeres y canciones - Strauss
 Vals de el lago de los cisnes - Tchaikovsky
 Vals melancólico, op. 68 nº 6 - Grieg
 Vals en do sostenido menor, op- 64 nº 2 - Chopin
 Liebeslieder, op. 114. Vals - Strauss
 Valses nobles y sentimentales - Ravel
 Tiempo de vals, de (El Lago de los Cisnes) - Tchaikovsky

Dejo ahora 3 valses famosos en video:

El Danubio Azul

El vals de Las Flores en la película "Fantasía":

El vals del Lago de los Cisnes: